miércoles, 23 de noviembre de 2011

Videos del arte

Arte abstracto

Este es un video que nos muestra muchas obras de artes reconocidas .

Como hacer una pintura
Este video nos muestra como nosotros podemos crear una pintura de arte abstracto.


Este es un videos del Museo Imagina que nos enseña sobre el arte abstracto.


El video mostrado nos muestra diferentes tipos de formas de arte abstracto

miércoles, 16 de noviembre de 2011

Curiosidades acerca el arte abstracto.

  • Arte Figurativo vs Arte Abstracto: 
En la primera mitad del siglo XIX la pugna entre los pintores seguidores de la línea y del contorno, que basaban su ideal del arte en la realización de un método basado en la imitación exacta de la naturaleza (Ingres y Poussin entre los más representativos), y por contra, los artistas (Delacroix, Géricault) que pensaban que la mancha, el color y el trazo esbozado, sin la imitación exacta de la naturaleza, era el principal medio para plasmar y hacer llegar al espectador la auténtica esencia de lo representado, constituyó por así decirlo, el primer enfrentamiento o divergencia entre lo que ahora llamamos el arte figurativo y el arte abstracto. Y respecto a esto se puede decir que el arte abstracto NO son puras lineas "locas" y "manchas" ya que tiene una belleza escondida a diferencia de otros tipos de pintura.
Así a lo largo del siglo XIX se fue pasando de un arte muy restringido por las líneas, contornos y la imitación perfecta (arte figurativo) a un arte mas liberado que no se preocupaba de las líneas ni la imitación perfecta (arte abstracto).
La gran Odalisca, Ingres, 1814.


Aquí se pude identificar una pintura muy marcada por las líneas, contornos y por la perfección de la imitación de lo que se quiere demostrar. Claro ejemplo del Arte Figurativo.
Después de 8 décadas más o menos, ya se puede observar ya como las pinturas comenzaban a no preocuparse tanto de los contornos ni de la imitación  perfecta. Y ya se pude observar como es abren las primeras puertas del cubismo.
Así poco a poco el Arte Figurativo fue perdiendo partido. Y el mal hablado Arte Abstracto fue ganándose el cariño de los artistas y de las personas.
  • El cuadro más caro del mundo
 Si los rumores son ciertos (y cada vez van cobrando mayor fuerza), El retrato de Adele Bloch-bauer de Gustav Klimt acaba de ser destronado como pintura más cara jamás vendida, ya que el espectacular "Number 5, 1948" , obra de Jackson Pollock, ha sido vendida por su sueño, el magnate de Hollywood David Geffen por la friolera de 140 millones de dólares, superando en 5 millones el precio de la obra de Klimt. 
Y más o menos 140 millones de dolares equivalen a 70.000.000.000 de pesos chilenos.
Realizada en 1948, en pleno apogeo de la creatividad de su autor, la pintura es un impactante drip de considerables dimensiones (130- 260 cm .) 



  • El cuadro maldito del "niño que llora"
Giovanni Bragolin alias Bruno Amadio es un pintor que murió hace algunos años. Es conocido basicamente por una peculiar pintura conocida como "El Niño Llorón".Cuenta la historia que en él retrató a un niño de un orfanato. Años mas tarde el orfanato se incendió y el espiritu del niño quedo atrapado en la pintura.Desde entonces, se dice que quienes poseen el cuadro sufren desgracias y muertes, pues el cuadro esta maldito.En los 50's se dieron muchos casos de casas incendiadas donde todo se encontraba destrozado y quemado, cadáveres carbonizados y lo curioso de todo esto es que el cuadro permanecía colgado en la pared sin un solo rasguño.Se dice que al ver el cuadro, uno siente como el niño de ojos llorosos y mirada tierna te sigue con la mirada, y te pone los pelos de punta. Mucha gente posee este cuadro, pero dice que solo ataca a aquellos que descubren que el cuadro esta encantado. En la noche se escuchan lamentos lejanos, el niño sale del cuadro sube a tu habitación y te mata, si es que no mueres antes de la impresión al ver su rostro endemoniado .Luego incendia la casa con todos adentro y borra así la evidencia de su crimen.¿Verdad o mito? Saquen sus conclusiones.



  • El cuadro más famoso de la historia
Centenares de preguntas rodean el retrato más famoso de la historia. Tras medio siglo de vida, todavía siguen sugiriéndose nuevas interpretaciones sobre todos los elementos de esta obra. Habiendo recibido inevitablemente y merecidamente un reconocimiento como icono cultural, su hechizo traspasa las barreras pictóricas por alimentar todo tipo de ámbitos, ya sean el cine, la literatura o la religión.
Archivo:Mona Lisa detail eyes.jpg

La Mona Lisa (1503-1506), Leonardo da Vinci¿Quién es ella?

Mirada de reojo, labios finos, cejas y pestañas ausentes, manos grandes, sonrisa imposible de describir... Todos estos rasgos, unidos a un paisaje extraño, lleno de sombras y colores indefinidos, son los que han despertado el interés y el ansia interpretativa de mucha gente, desde el momento que el retrato salió a la luz. Es inevitable observar o hablar de esta obra sin que aparezcan interrogantes cómo: ¿quién es esta mujer? ¿Sonríe? Y si sonríe, ¿a qué se debe? Hay quien se preguntará por qué un retrato es motivo de tanto jaleo y expectación. Seguramente, muchos sólo ven a una mujer posando, que parece sonreír tímidamente, y no encuentran razón para hacerse tantas preguntas ante una imagen que parece sencilla en cuanto a contenido. Pero si se tienen en cuenta las suposiciones y dilemas sobre la identidad de la mujer retratada, y que siempre se ha creído que Da Vinci introducía mensajes ocultos en sus obras, entre otras cosas, no es de extrañar que esta imagen cautive tan sólo con mirarla.

  • "El grito de Munch"
El objeto de estudio del trabajo es el Grito, cuadro pintado por Eduard Munch en 1893 .
El objetivo que se pretende alcanzar, es responder qué es lo que Munch trató de reflejar en su cuadro a través del rostro angustioso de la persona que grita.
Es decir, si se trata del reflejo de la angustia personal del pintor o si el grito pudiese  también esconder una crítica a la nueva forma de organización socio económica de la época. En definitiva si Munch grita también contra las injusticias sociales y a las desigualdades económicas que acompañaron a la Revolución industrial. 
El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de EkebergEl grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Biografías de pintores abstractos famosos

Robert Delaunay:
París12 de abril de 1885 - Montpellier25 de octubre de 1947Durante un tiempo cultivó el cubismo, pero pronto ingresó en la abstracción, dedicándose a la investigación del color y la luz.
Estimulado también por el cubismo y el dinamismo futurista practicó una forma de abstracción con colores vivos, organizados libremente en torno a una estructura geométrica bastante elemental. Este propósito lo consiguió en sus Ventanas. Son siempre planos trasparentes de formas geométricas donde apenas hay dibujo. Cada plano tiene una iluminación independiente y el motivo de la ventana irá poco a poco perdiéndose hasta llegar a ser cuadros totalmente abstractos.
     

También realizó obras con implicaciones musicales, basándose en la noción de dinamismo visual, provocado por el color. En Formas circulares la disposición del color en el plano produce una sensación de ritmo animado. Los círculos concéntricos del cuadro se corresponden a diferentes armonías cromáticas, logrando un excelente dinamismo rotativo.


Piet Mondrian:
Amersfoort7 de marzo de 1872 - Nueva York1 de febrero de 1944. Aspiraba a una pintura no sentimental, no subjetiva, independiente de cualquier carga histórica, cultural o geográfica. Lo consigue limitando el vocabulario a la línea recta y el ángulo recto, es decir, a la horizontal y al vertical y a los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el blanco, el gris y el negro, y no los que resultan de sus combinaciones. A este nuevo lenguaje artístico lo llamó Neoplasticismo. Composición en rombo con rojo, gris, azul, amarillo y negro o Composición con río, amarillo y azul son ejemplos del neoplasticismo.   





Wassily Kandinsky:
Moscú4 de diciembre de 1866, 13 de diciembre de 1944. Llegó a una abstracción impregnada de sentimiento, su pintura está destinada a despertar la emoción en el espectador. Para él, el arte debía expresar el espíritu, la realidad interior, la los estados de ánimo, los sentimientos. Esto es lo que le llevará a suprimir el título en muchas de sus obras.
En 1910 ejecutó la primera acuarela sin tema, conocida como Primera acuarela abstracta. Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La fluidez de las manchas de color y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo.
A partir de este momento comienza a pintar lienzos llenos de manchas cromáticas y formas simplificadas. El alejamiento del natural y su tendencia hacía lo abstracto se efectuó en una serie de obras que él mismo denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones, como por ejemplo: Improvisación 14.  

domingo, 6 de noviembre de 2011

Historia del arte abstracto

Siglo XIX

Archivo:Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872.jpg
Pintura de Impresionismo.Claude Monet 1872 (París) 
Tres movimientos artísticos que contribuyeron al desarrollo del arte abstracto fueron el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo. A lo largo del siglo XIX se consiguió la independencia de los artistas. El mecenazgo de la iglesia disminuyó y el privado del público fue más capaz de proporcionar una forma de vida para los artistas.
Las primeras insinuaciones de un nuevo arte fueron obra de James McNeill Whistler quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket, («Nocturno en negro y oro: el cohete que cae», 1872), dio gran énfasis a la sensación visual que a la representación de los objetos. Un interés objetivo en lo que se ve, puede distinguirse de otras pinturas de John ConstableJ M W Turner, Camille Corot y de ellos los impresionistas que continuaron la pintura al aire libre de la escuela de Barbizon.
Siglo XX
Paul Cézanne había comenzado como impresionista pero lo que pretendía, una construcción lógica de la realidad basada en una vista desde un simple punto de vista, con color modulado en áreas planas, se convirtió en la base de un nuevo arte visual, para ser más tarde desarrollado hacia el cubismo por George Braque y Pablo Picasso.
Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea; y reacciones al impresionismo y otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del XIX. Aunque artistas como Edvard Munch y James Ensor se vieron influidos principalmente por la obra de los posimpresionistas fueron decisivos para el advenimiento de la abstracción en el siglo XX.
Archivo:JuanGris.Portrait of Picasso.jpg
Picasso, el iniciador del cubismo
El postimpresionismo tal como lo practicaron Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh y Paul Cézanne tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores como Van Gogh, Cézanne, Gauguin y Seurat fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A comienzos del siglo XX, Henri Matisse y otros jóvenes artistas incluyendo a los precubistas Georges Braque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras «salvajes», de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje de color tal como lo desarrollaron los fauves directamente influyeron a otro pionero de la abstracción Vasili Kandinski.
Aunque el cubismo al final depende del tema representado fue junto con el fauvismo el movimiento artístico que directamente abrió la puerta a la abstracción en el siglo XX. Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con la pintura Las señoritas de Aviñón 1907, Picasso creo dramáticamente un cuadro nuevo y radical representando un burdel primitivo y crudo con cinco prostitutas, mujeres violentamente pintadas, que recordaban máscaras trbales africanas y sus nuevas creaciones cubistas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque, desde alrededor de 1908 hasta 1912. El cubismo analítico, la primera manifestación clara del cubismo, fue seguido por el cubismo sintético, practicado por Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp e innumerables artistas hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collagepapier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. Los artistas de collage com Kurt Schwitters y Man Ray y otros influidos por el cubismo fueron decisivos para el desarrollo del movimiento llamado dadá.
Desde principios de siglo las conexiones culturales entre artistas de las principales ciudades europeas y norteamericanas se habían vuelto extremadamente activos conforme se esforzaron por crear una forma de arte que igualara las altas aspiraciones del modernismo. Las ideas fueron capaces de influirse mutuamente a través de libros de artistas, exposiciones y manifiestos de manera que muchas fuentes estaban abiertas a la experimentación y formaron la base de la diversidad de modos de abstracción. El siguiente extracto, de The World Backwards, proporciona alguna impresión de las interconexiones de la cultura de la época:
Pinturas más contemporeanas
«El conocimiento de David Burliuk de los movimientos de arte moderno debió ser extremadamente actualizados, pues la segunda exposición Knave of Diamonds, celebrada en enero en de 1912 (en Moscú) incluó no sólo pinturas enviadas desde Múnich, sino algunos miembros del grupo alemán Die Brücke, mientras que de París vinieron obras de Robert Delaunay, Henri Matisse y Fernand Léger, así como de Picasso. Durante la primavera David Burliuk impartió dos conferencias sobre el cubismo y planeó una publicación polémica, que el Knave of Diamonds iba a financiar. Fue al extranjero en mayo y regresó determinado a rivalizar con el almanaque Der Blaue Reiterque había emergido de los impresores mientras el estaba en Alemania».